Blog

Jul 31, 2023

Ecco cosa significa dirigere un film d'animazione

Sia che tu abbia intenzione di espandersi con un certo stile come lo stop-motion, i registi in genere seguono questa traiettoria quando realizzano un film d'animazione. Essere un regista implica adattarsi al loro titolo

Sia che tu abbia intenzione di espandersi con un certo stile come lo stop-motion, i registi in genere seguono questa traiettoria quando realizzano un film d'animazione.

Adattandosi al loro titolo, essere un regista implica supervisionare il rispettivo progetto nel suo insieme dalle fasi iniziali di pre-produzione fino a quando non viene filmato, montato e pronto per la distribuzione al pubblico. Dirigono il corso del film, in altre parole. E nel corso della storia di Hollywood, diversi registi famosi si sono cimentati nell'animazione.

Richard Linklater, Wes Anderson e Tim Burton sono solo alcuni dei grandi registi che si sono dilettati in questo regno in varie occasioni. Ma diversi registi hanno realizzato esclusivamente film d'animazione nella loro carriera: prendi ad esempio Hayo Miyazaki dello Studio Ghibli o Pete Docter della Pixar. Questi sono due grandi nomi dell'industria rispettivamente dal Giappone e dall'America, e hanno diretto alcuni dei migliori film d'animazione che l'industria abbia mai visto.

Ma questi registi si distinguono per aver diretto i propri progetti. La maggior parte dei capitani al timone delle navi animate hanno accanto dei co-direttori, che governano il volante con la stessa frequenza. Il Re Leone (1994), Toy Story (1995), Shrek (2001): quasi tutti i principali attori in questo senso sono stati diretti da due persone, se non di più. Per un dato progetto, uno può essere responsabile dell'animazione, mentre l'altro si concentra su tutti gli altri aspetti del cinema, come la sceneggiatura e il casting. Ciò è dovuto alla natura coinvolta della produzione opposta all'azione dal vivo. Ma in ogni caso: ogni film inizia con la sceneggiatura.

Questi sono i primi due passaggi di qualsiasi sceneggiatura: workshop e storyboard. Al centro di ogni film c'è la storia, e all'anima di ogni storia c'è il personaggio. La fase di produzione del laboratorio vede il regista allineare mentalmente ogni elemento della trama per garantire che la sceneggiatura sia quanto più solida e infallibile possibile. Nessun buco nella trama, nessuna sequenza noiosa.

Senza un workshop adeguato, la tua storia è destinata a fallire. Dinamiche coinvolgenti e sviluppo palpabile: i tuoi personaggi sono essenziali per una sceneggiatura avvincente - la stessa cosa vale per la televisione, la letteratura e persino i mezzi come i videogiochi. Ogni storia, dall'inizio alla fine, dovrebbe presentare una crescita tangibile e rapporti divertenti per e tra i suoi personaggi. Naturalmente, ci sono molti altri elementi della storia che il regista deve affinare durante questa fase, come i singoli punti della trama e la risonanza tematica complessiva. Ma una volta completato il workshop, questa fase di progettazione continua.

Sia che disegni le scene con figure stilizzate e dettagli minimi dello sfondo, sia che tu faccia il massimo, assumi un artista di talento e rendi il tuo storyboard il più professionale possibile, ogni sceneggiatura deve essere suddivisa in scene che vengono poi disegnate in singoli pannelli. . Questi storyboard vengono utilizzati come contorni o schizzi delle singole scene del film, consentendo al regista di spostare la propria attenzione sul lato dell'animazione dello spettro di produzione.

Una volta terminato lo storyboard, ogni pannello viene tagliato e assemblato per assemblare quello che è noto come animatic. Con la possibilità di includere voci fuori campo, musica scratch, suoni diegetici e ovviamente schizzi, la fase animatica si sviluppa essenzialmente in un progetto del progetto stesso. È allora che i registi trovano il cast e registrano i dialoghi prima di tornare nel regno dell'animazione tecnica. Di solito è questo l'ordine degli eventi.

Tuttavia, il famoso regista giapponese Hayo Miyazaki fa il contrario, animando prima il film e poi registrando le voci. Ma è un'eccezione, poiché è senza dubbio il più grande regista di film d'animazione mai vissuto grazie a progetti come Nausicaä della valle del vento (1984), La principessa Mononoke (1997) e La città incantata (2001).

È pratica comune animare il film dopo aver completato il lavoro dei doppiatori in modo che gli animatori possano abbinare le espressioni facciali dei personaggi alle rispettive intonazioni. Questi sono generalmente i passaggi sequenziali. Da lì, la fase di pre-visualizzazione comporta il primo modello di immagini tridimensionali. Gli animatori presentano quindi il loro lavoro ai rispettivi registi del progetto, che poi collaborano con il direttore della fotografia del film per stabilire uno stile cinematografico appassionato con luci, blocchi, messa in scena, movimenti di telecamera e profondità di campo.